La plupart des discussions sur le post-traitement se concentrent sur le "comment faire", en analysant les aspects techniques et les particularités d'un logiciel donné, tout en ajustant les curseurs et les paramètres jusqu'à obtenir une image qui nous satisfait à l'écran. Cependant, l'aspect le plus important, bien que souvent le plus difficile pour la plupart des photographes, est de comprendre ce que l'image requiert et pourquoi, bien avant de prendre en main la souris.
Chacun des différents éléments du design visuel peut contribuer à définir une ambiance et une intention pour nos photographies. Avant de commencer à jouer avec les différents paramètres visuels tels que la tonalité, le contraste, le micro-contraste et la saturation des couleurs, nous devons d'abord déterminer quelle intention ou quelle ambiance nous souhaitons créer, puis appliquer les ajustements en conséquence. Cette intention et cette ambiance doivent être en harmonie avec notre expérience personnelle du lieu ou du sujet que nous avons photographié, reflétant ainsi notre ressenti et notre vision personnelle.
Dans ce séminaire, nous allons examiner certaines des intentions ou ambiances les plus courantes que nous pouvons donner à nos photographies de paysages. Pour chacune de ces intentions, Rafael Rojas analysera la traduction visuelle correspondante ainsi que les directives générales pour le post-traitement, en utilisant ses propres images du paysage à titre d'exemple.
Bien entendu, en photographie créative, il n'existe pas de règles, de recettes ou de scripts prédéfinis ! Un même fichier RAW peut donner naissance à une multitude d'interprétations et d'images finales différentes. En fait, au fur et à mesure que nous progressons en tant qu'artistes, il est fréquent de revisiter d'anciennes images et de les traiter d'une manière totalement différente.